Claudio Monteverdi – Nhà soạn nhạc Opera cổ điển nổi tiếng nhất Thế Giới

Rất ít nhà soạn nhạc opera đạt được tiêu chuẩn này cũng như Claudio Monteverdi , một nhà soạn nhạc sinh ra gần bốn thế kỷ rưỡi trước, Mà bằng cách so sánh chỉ ba năm sau khi ra đời của Shakespeare và hơn 200 năm trước khi Beethoven

Xem xét phạm vi của lịch sử nhân loại, phần lớn âm nhạc cổ điển rơi vào một khung thời gian tương đối hẹp. Trong khoảng thời gian chỉ vài thế kỷ, âm nhạc phương Tây xuất hiện từ súp nguyên thủy của thời trung cổ, phát triển đa âm và đối nghịch, hấp thụ những dạng mới và phức tạp hơn, sống sót qua một thế kỷ của atonality.

Nhà soạn nhạc Opera nổi tiếng Claudio Monteverdi

Và hiện nay là một hình thức nghệ thuật gần như không thể nhận ra từ Nguồn gốc khiêm tốn. Bài kiểm tra cuối cùng của nhà soạn nhạc opera cổ điển không phải là âm nhạc của họ có thể đạt được sự nổi tiếng trong suốt cuộc đời của họ, nhưng liệu nó có thể chịu được sự kiểm tra về thời gian và tiếp cận mọi người qua hàng thập kỷ hoặc thế kỷ.

Monteverdi là nhà soạn nhạc opera vô địch sớm nhất, nhà sáng tạo đáng chú ý nhất và thực tế là nhà phát minh của vở opera hiện đại. Đồng thời, giọng hát thế tục của anh ấy hoạt động trong suốt quá trình làm việc của anh ấy một cách đơn giản thể hiện sự tiến triển từ thời kỳ Phục hưng cuối thời đến thời Baroque sớm.

Một trong những đóng góp lớn nhất của Monteverdi về âm nhạc là dưới hình thức tám cuốn sách của những người họa sĩ được xuất bản trong khoảng năm 1587 và 1638 (một số lượng khác đã được in ra trong năm 1651).

Cốt nhất của những điều này là cuốn sách thứ năm (1605), chủ yếu là kết quả của lời mở đầu đáng chú ý mà nhà soạn nhạc opera nổi tiếng Monteverdi cung cấp. Sau nhiều năm chỉ trích từ các đồng nghiệp vì phong cách độc đáo của mình, Nhà soạn nhạc trẻ đã quyết định bảo vệ vững chắc phong cách sáng tác của mình bằng cách cung cấp nền tảng lý thuyết mà người khác có thể hiểu và làm theo.

Trong một trong những bài luận văn của mốc lịch sử âm nhạc, nhà soạn nhạc cổ điển opera Monteverdi phân chia cảnh quan âm nhạc thành hai luồng.

Thứ nhất, cái mà ông gọi là prima pratica , về cơ bản mô tả phong cách thịnh hành của đa số thời kỳ Phục Hưng, trong khi seconda pratica làm cho trường hợp của một phong cách viết cảm xúc hơn, trong đó văn bản miêu tả nội dung âm nhạc và các quy tắc đối lập có thể bị phá vỡ vì mục đích của bộ phim truyền hình .

Ông đã bổ sung các chủ đề bao trùm này với những đổi mới khác, bao gồm việc giới thiệu bản mạch tiếp tuyến basso và mức độ đầy đủ của âm thanh chức năng. Lời nói đầu của nhà soạn nhạc Monteverdi trên seconda pratica được về cơ bản đặt ra lý do cho những gì sẽ trở thành avant-garde của 17 thứ thế kỷ.

Tác phẩm cách mạng duy nhất của nhà soạn nhạc Monteverdi là vở opera L’Orfeo năm 1607 của ông, thuật lại câu chuyện huyền thoại Hy Lạp về một người tên là Orpheus, người xuống xuống thế giới bên dưới trong một nỗ lực cứu vớt vợ ông Eurydice.

Orpheus được kể lại như là một nhạc công có khả năng đáng chú ý, có khả năng làm người đàn ông quyến rũ và thậm chí là động vật với cây đàn của mình. L’Orfeo không phải là vở opera đầu tiên bao gồm: Nhà soạn nhạc Ý Jacopo Peri giữ danh dự với Dafne , kết thúc năm 1598.

Tuy nhiên, sau khi trải qua một sự hồi sinh trong 19 ngày thế kỷ, L’Orfeo vẫn thường xuyên biểu diễn trên sân khấu ngày hôm nay, một kỳ công đáng kể cho một tác phẩm hơn bốn thế kỷ cũ.

Sự thành công của các nhà soạn nhạc opera của Ý, bao gồm cả nhà soạn nhạc opera Monteverdi, phần lớn chịu trách nhiệm về sự nổi trội của Ý trong thể loại hàng trăm năm nay. Ông cũng đóng góp không nhỏ trong sự ra đời và hình thành thể loại âm nhạc Opera

Ngay cả những nhà soạn nhạc bên ngoài Ý đã viết trong bóng tối của các nhà soạn nhạc như Monteverdi và nhiều Mozart nổi tiếng nhất, đã viết opera theo phong cách Ý một cách rõ ràng với libretto của Ý.

Ảnh hưởng của nhà soạn nhạc Monteverdi cũng mở rộng ra ngoài opera và quê nhà. Bằng cách tạo điều kiện cho nhiều sự phát triển thiết yếu nhất trong nhạc baroque ban đầu, Ông mở đường cho những người miêu tả tiếp theo của pratica thứ hai từ George Frideric Handel đến Johann Sebastian Bach , và mãi mãi thay đổi quá trình âm nhạc cổ điển.

Sự ra đời, hình thành và phát triển của thể loại âm nhạc Opera

Sự ra đời và hình thành của thể loại âm nhạc Opera

Thể loại âm nhạc Opera đã tồn tại khoảng bốn thế kỷ nay và được trình diễn trên khắp thế giới. Khán giả có thể tham dự các buổi biểu diễn của các vở opera của các nhạc sĩ người Ý, Pháp, Đức, Áo, Nga, Séc, Anh và Mỹ, ngay cả người châu Á, ngày nay bằng nhiều thứ tiếng.

Nhưng sự ra đời của thể loại âm nhạc opera hầu như ngẫu nhiên, bắt đầu ở Florence, Italy vào cuối thế kỷ 16, khi một nhóm nhà soạn nhạc, nhà thơ, học giả và trí thức nổi tiếng người Ý tên là Camerata được thành lập.

Nhóm nhà soạn nhạc Camerata

Nhóm này, lấy cảm hứng từ lý tưởng của thời kỳ Phục Hưng, đã tìm cách khôi phục lại bộ phim Hy Lạp cổ đại, mà họ cho rằng có thể đã được hát một phần.

Vì vậy, thể loại âm nhạc opera, sự kết hợp tiềm năng của bộ phim truyền hình và âm nhạc, đã được sinh ra. Các nhà thơ và nhà soạn nhạc đã tạo ra một bộ phim truyền hình cùng với nhạc cụ.

Đương nhiên, hình thức mới của bộ phim truyền hình bao gồm các chủ đề dựa trên thần thoại Hy Lạp, như Orpheus và Euridice, Apollo và Daphne, và các thần thoại Hy Lạp cổ đại khác.

Vở opera nổi tiếng đầu tiên là Dafne, với âm nhạc của nhà soạn nhạc nổi tiếng Jacopo Peri, nhưng tác phẩm này đã bị mất. Ca khúc opera đầu tiên của nhà soạn nhạc nổi tiếng người Ý Claudio Monteverdi (1567-1643), La Favola D’Orfeo, hay huyền thoại của Orpheus và Euridice, sau đó đã trở thành một vở opera nổi tiếng của nhà soạn nhạc Gluck vào thế kỉ thứ 18.

Thể loại âm nhạc Opera đã lan rộng khắp Ý và không còn là một hình thức nghệ thuật cho tầng lớp quý tộc; Các nhà hát opera mở tại Florence, Venice, Naples và các nơi khác, và các nhà soạn nhạc Pháp và Đức bắt đầu viết nhạc kịch bằng ngôn ngữ riêng của họ.

Ở Pháp, opera, pha trộn với ballet đã trở thành một trò tiêu khiển của các vị vua Pháp, và những sự kiện của tòa án hiếu chiến đã trở thành cơn thịnh nộ, và Giovanni Battista Lully người Ý sinh ra là Jean -Baptiste Lully, trở thành nhà soạn nhạc yêu thích của các vị vua Pháp Vào thế kỷ 17. Các vở opera phức tạp của ông đã được hồi sinh lại trong thời đại chúng ta.

Sự phát triển của thể loại âm nhạc Opera

Có nhiều loại trong thể loại âm nhạc opera; Opera Seria tinh vi, hay opera dựa trên các chủ đề thần thoại hoặc lịch sử nghiêm trọng, và loại opera hay Opera Buffa.

Vào thế kỷ 18, người Đức sinh ra Christoph Willibald Gluck đã cải cách opera, tập trung vào phim truyền hình tinh khiết và diễn cảm, chứ không phải là diễn xuất dàn dựng và thanh nhạc.

Các vở opera của Mozart, như Don Giovanni và Hôn nhân của Figaro đã đạt được thành công lớn và vẫn phổ biến.

Vào đầu thế kỷ 19, các nhà soạn nhạc cổ điển opera nổi tiếng người Ý như Rossini, Donizetti và Bellini đã viết những vở opera của trường Bel Canto, Bel Canto có nghĩa là ca hát tuyệt vời, đem lại cho các ca sĩ nổi tiếng cơ hội để thể hiện cả vẻ đẹp của âm thanh, Của sự nhanh nhẹn, dẫn đến các vở opera của Giuseppe Verdi (1813-1901), vẫn còn phổ biến ngày nay, và các vở opera lãng mạn của Puccini, bao gồm La Boheme.

Vào cuối thế kỷ 19, Verismo của Ý, hay trường phái thể loại âm nhạc opera thực tế xuất hiện, tránh thần thoại và tầng lớp quí tộc cho các đồ thị, và đối phó với cuộc sống cằn cỗi của người dân.

Opera Đức bắt đầu phát triển mạnh vào thế kỷ 19, với Carl Maria von Weber và opera của ông là Der Freischutz, và các mưu đồ dựa trên lịch sử và văn hoá Đức nổi tiếng, bao gồm các yếu tố trong truyện cổ tích Đức.

Nhà soạn nhạc Opera đức Wagner

Người khổng lồ của thê loại âm nhạc opera Đức là Wagner, những vở opera harmonically phức tạp và dài hạn chiếm ưu thế về tuổi tác, và có ảnh hưởng lớn đến cả thế kỷ 20.

Ở những nơi khác, các nhà soạn nhạc lớn của Nga như nhà soạn nhạc Tchaikovsky, Mussorgsky và Rimsky-Korsakov đã tạo ra một truyền thống opera của Nga sử dụng lịch sử và văn hoá Nga, và điều này cũng đúng ở Bohemia, nay là Cộng hòa Séc, với Smetana và Dvorak.

Vào thế kỷ 20, thể loại âm nhạc opera trở nên đa dạng hơn, với những vở opera đầu tiên của Alban Berg và giáo viên Arnold Schoenberg của ông, việc sáng tác nhạc opera của Mỹ với các tác phẩm của Porgy và Bess của Gershwin.

Và Opera bây giờ đã trở nên đa dạng hơn bao giờ hết, với 400 năm tiết mục của chúng tôi. Hình thức nghệ thuật tuyệt vời này chưa bao giờ được sống.

Tìm hiểu về thể loại âm nhạc Opera – Nghệ thuật của cảm xúc

Một vở opera (tiếng Ý cho ‘công việc’) là một câu chuyện kể qua lời nói và âm nhạc. Dàn nhạc chơi nhạc trong hố dưới sân khấu. Trên sân khấu, các ca sĩ mang câu chuyện vào cuộc sống bằng cách diễn xuất và hát những từ (được gọi là ‘libretto’) cùng với âm nhạc của dàn nhạc cũng giống như nhạc kịch.

Điều làm cho một vở opera khác với vở nhạc kịch là các ca sĩ không được thông báo bằng micrô và dàn nhạc thì lớn hơn và sống hoàn toàn. Điều này tạo ra âm thanh lớn hơn, mạnh mẽ hơn và thu hút khán giả vào câu chuyện.

Thể loại nhạc Opera là gì?

Opera là một hình thức nghệ thuật tổng thể kết hợp âm nhạc, ca hát, kịch, thơ, nghệ thuật tạo hình và đôi khi khiêu vũ. Trong mỗi tác phẩm, tất cả các thành phần của opera kết hợp nét biểu cảm và vẻ đẹp của chúng.

Thể loại âm nhạc Opera là gì?

Sự giả kim thuật phức tạp này làm cho màn trình diễn ngoạn mục trở nên độc đáo, độc quyền về thị lực, thính giác, trí tưởng tượng và sự nhạy cảm của khán giả, nơi mà tất cả những niềm đam mê của con người đang hoạt động.

Các nhân vật chính được hát bởi ‘hiệu trưởng’ thường là nghệ sĩ khách mời làm việc tự do và biểu diễn với các công ty opera khác nhau. Các nhân vật chính được bao quanh bởi Chorus. Chorus bao gồm 20 ca sĩ nữ và 20 ca sĩ nam nữ, tùy theo vở opera, hoặc bình luận về hành động chính hoặc nhân dịp tự truyện.

Các thành viên của Chorus cũng sẽ có một số vai nhỏ trong các vở opera nhất định. Các Chorus là những gì làm cho một opera đặc biệt, họ là liên kết của con người mà rút ra cho chúng tôi khán giả gần gũi hơn với những cảm xúc đang được thể hiện trên sân khấu, chúng tôi cảm thấy những gì họ cảm thấy.

Opera đã có kinh nghiệm sống động, như David Pountney mô tả nó là một trải nghiệm của cộng đồng, đó là về khán giả, các cầu thủ trong hố và các ca sĩ trên sân khấu tất cả thống nhất trong câu chuyện đó.

Kịch bản vở Opera Libretto

Libretto là ‘kịch bản’ của một vở opera. Nó có thể là sáng tác nguyên thủy, đôi khi được viết bởi các nhà thơ hay nhà văn nổi tiếng (như Hugo von Hofmannsthal và Stefan Zweig cho tác phẩm của Richard Strauss), nhưng thường thì nó là một sự thích nghi các vở kịch (Shakespeare là nguồn cảm hứng tuyệt vời đối với người viết truyện cổ tích)

Các chủ đề phát triển trong libretto là khác nhau: cấm tình yêu, ngoại tình, trả thù, ái dục cho quyền lực, chiến tranh, thần thoại cổ đại hoặc các sự kiện lịch sử … Với những chủ đề như vậy, opera sống trong vũ trụ, nơi niềm đam mê của con người bùng nổ.

Tình yêu, Bi kịch và Cái chết thường nằm ở trung tâm của cốt truyện. Các nhân vật, đôi khi bị xé nát giữa cảm xúc và nghĩa vụ của họ, đang phải đối mặt với những tình huống bất thường và bị đẩy đi bởi những cảm giác có chiều cao.

Sự dư thừa này đốt cháy họ, dẫn họ đến hành động bạo lực và đôi khi đến chết. Tình yêu ngay từ cái nhìn đầu tiên, sự hy sinh, mê hoặc, can đảm, tự tử và giết người xuất hiện cùng nhau trong bản libretto.

Một số nhân vật bị trừng phạt vì những tội ác của họ, những người khác tìm thấy sự cứu chuộc hoặc đang cảm thấy hối hận … và đôi khi có một kết thúc hạnh phúc!

Cảm xúc và cường độ của ca hát Opera

Không giống hầu hết các rạp hát, văn bản được hát bởi các nghệ sĩ trong các vở opera. Cảm xúc và cường độ của ca hát có ảnh hưởng đến trọng lượng và ý nghĩa của từ.

Có tiếng nói khác nhau được phân loại trong sáu loại chính, từ cao hơn đến thấp hơn: soprano, mezzo soprano, contralto cho phụ nữ; Và tenor, baritone và bass cho đàn ông. Hơn nữa, giọng nói được đặc trưng theo sức mạnh và sự nhanh nhẹn của họ: họ có thể nhẹ nhàng, lyric hoặc kịch tính.

Một giọng nói nhẹ không phải là rất mạnh mẽ nhưng có thể dễ dàng đạt được các ghi chú và vocalises cao, không giống như một giọng nói mạnh mẽ mà là mạnh mẽ nhưng ít nhanh nhẹn như ca sĩ Opera Raffaella Milanesi

Tiếng nói thường gắn với các loại vai trò. Họ nhấn mạnh một số khía cạnh của các nhân vật như tính cách của họ hoặc bản chất của họ. Trong Carmen của Bizet, Carmen là một người quyến rũ hoang dã có kinh nghiệm trên thế giới: vì vậy cô ấy được chơi bằng một giọng soprano mezzo với một giọng nói tối và ấm.

Gilda trong Rigoletto của Verdi là một giọng nữ cao lyric: giọng cô rõ ràng và cao giọng tượng trưng cho sự thanh khiết, ngây thơ và ngây thơ của cô.
Bạn cũng có thể xem trang ‘Glossary’ để tìm hiểu thêm về tiếng nói của opera.

Âm nhạc của một vở Opera

Âm nhạc thể hiện theo cách khác cảm xúc và hành động đang diễn ra trên sân khấu. Trong tâm của camerata fiorentina (xem trang ‘Lịch sử’), những nghiên cứu và nghiên cứu về nhà hát Hy Lạp cổ đại đã dẫn đến việc tạo ra thể loại opera, âm nhạc đã phục vụ cho libretto: “Prima le parole, dopo la musica ‘(‘ Những từ đầu tiên, âm nhạc sau ‘).

Đây là một cuộc tranh luận cũ và tiếp tục: theo các thời kỳ, libretto và âm nhạc đã xen kẽ tuyên bố chủ quyền. Thực sự âm nhạc không chỉ phục vụ cho libretto và ca hát: nó hoàn thành và tôn vinh họ bằng cách làm nổi bật cường độ của tình huống và sự đam mê và cảm xúc của các nhân vật.

Bằng cách chơi với nhịp điệu, giai điệu, giai điệu, sắc thái, các nhà soạn nhạc khai thác sức mạnh gợi ý phi thường của âm nhạc để tạo ra bầu không khí đặc biệt mà lời bài hát hoặc dàn dựng không thể tạo ra.

Một số tác giả sử dụng mô típ âm nhạc lặp lại để đại diện cho một nhân vật, một cảm xúc hoặc một khái niệm. Trong phần mở đầu cho Das Rheingold, Wagner đã liên hệ đến sự ra đời của Rhine.

Vở opera bắt đầu với một bộ ba độc đáo, từ từ xuất hiện từ sự im lặng và vang dội ở độ sâu vô hạn: sông Rhine xuất hiện từ hỗn loạn ban đầu. Những quy tắc nhỏ này thêm vào bộ ba này cho đến khi tạo ra giai điệu: các nhạc cụ bằng đồng đầu tiên, hùng vĩ, rồi các dây đàn, tinh tế hơn, giống như làn sóng lấp lánh trên bề mặt của sông.

Càng nhiều dàn nhạc trở nên sôi động và làm phong phú thêm khúc dạo đầu, thì càng trở nên nhanh chóng hơn khi sông Rhine bùng nổ và khuấy, cho đến khi tạo bọt. Âm nhạc vượt quá lời nói. Nó đề cập trực tiếp đến trái tim của khán giả và hấp dẫn sự nhạy cảm và trí tưởng tượng của nó.

Các dàn dựng diễn biến vở Opera

Trước thế kỷ 20, khung cảnh sân khấu bị gạt ra bên lề: vào thế kỷ 17, các vở opera khá tĩnh và trông giống như một buổi hòa nhạc tại vịnh Hạ long trang trọng. Việc xếp dàn trở nên quan trọng khi các chương trình nhà hát trở nên tập trung hơn vào một bài hát hiện tại hơn là sáng tác mới.

Dàn dựng diễn biến nội dung vở Opera

Hơn nữa, trong thế kỷ 20, tầm quan trọng của việc hát và những món quà ấn tượng bắt đầu được coi là bình đẳng. Nhưng các sân khấu opera luôn là một nơi bất thường, với những hiệu ứng thị giác ngoạn mục và máy móc lớn.

Các khả năng dàn dựng đã được hưởng lợi từ tiến bộ kỹ thuật, và bây giờ các hiệu ứng đặc biệt, kỹ thuật số và dự báo hình ảnh được sử dụng trong nhiều sản phẩm. Một giai đoạn không phải là một minh hoạ đơn giản của một tác phẩm: nó mang một khái niệm hay ý nghĩa.

Đạo diễn đề xuất một quan điểm về một vở opera. Quan điểm này có thể gần với libretto và các khái niệm của tác giả hoặc một cách giải thích riêng của tác phẩm. Một số đạo diễn chuyển sự kiện sang một thời đại khác, trong một tình huống khác hoặc trong một bối cảnh vô tận và phi vật chất.

Những chuyển vị này đưa ra một số kích thước nhất định của tác phẩm và làm phong phú thêm ý nghĩa của chúng bằng cách tiết lộ một số khía cạnh chưa biết của chúng. Ví dụ, trong một tác phẩm hiện đại, các chủ đề phát triển trong một vở opera baroque có thể được tiết lộ là rất thực tế.

Những quan điểm được các giám đốc chấp nhận thay đổi cách mà khán giả nhìn thấy và hiểu được tác phẩm. Opera tái tạo và tự động reinvents chính nó liên tục. Trước khi bức màn lên, không ai biết điều gì sẽ xảy ra trên sân khấu. Đó là điều làm cho opera sôi động.

Các tông giọng trong thể loại nhạc Opera

Soprano – Đây là giọng nữ cao nhất và thường gắn liền với nhân vật nữ chính trong vở opera như Cio-Cio-San ở Madam Butterfly . Những con sopranos nổi tiếng bao gồm Maria Callas, Dame Joan Sutherland, Anna Netrebko, Lesley Garrett, Rebecca Evans và Nuocia Focile, Raffaella Milanesi,…

Mezzo Soprano – Giọng nữ trung lưu. Một giọng nói sẫm màu hơn soprano liên quan đến một loạt các vai trò khác nhau thường được sử dụng để miêu tả các nhân vật nữ phức tạp như Carmen . Những người sopranos mezzo nổi tiếng bao gồm Teresa Berganza và Cecilia Bartoli.

Contralto – Loại giọng nữ thấp nhất.

Tenor – Một giọng nam cao. Thường xuyên kết hợp với anh hùng trong opera như Rodolfo ở La bohème và Alfredo ở La traviata . Những nghệ sỹ nổi tiếng bao gồm Luciano Pavarotti, Placido Domingo, Dennis O’Neill và Alfie Boe.

Baritone – Giọng nam trung bình. Baritone thường hát những nhân vật phản diện hoặc vai hài, hoặc người bạn với nam diễn viên chính. Các barit nổi tiếng bao gồm Sir Thomas Allen, Gerald Finley và Simon Keenlyside.

Bass – Giọng nam sâu nhất. Thường đi kèm với những nhân vật phản diện hoặc vai diễn hài hước. Bryn Terfel là một tiếng bass-baritone.

Counter Tenor – giọng nam cao nhất được sử dụng rộng rãi trong các vở opera sớm và baroque. Những Người Truy Cập nổi tiếng bao gồm James Bowman, Andreas Scholl và David Daniels.